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Giovedì, 30 Maggio 2013 16:11

APPassionati di “The Doors”?

Nei primi giorni di maggio si è parlato moltissimo di “The Doors” fondamentalmente per due motivi: il primo, purtroppo, per la morte del leader fondatore e tastierista della band Ray Manzarek, il secondo per l’uscita di una pioneristica applicazione per Ipad che racconta il viaggio nel rock di Jim Morrison & Co. Una vera innovazione non solo in campo tecnologico, ma anche in campo di fruizione dei contenuti digitali: tutta la storia della band è racchiusa in un’app! Video inediti, fotografie, canzoni, confessioni, scavano nel più profondo intimo dei musicisti per regalare agli utenti in un solo unico pacchetto l’esperienza “The Doors”.

 

L’idea è stata  progettata e finanziata da Jac Holzman, fondatore dell’Elektra Records la prima casa discografica che offrì nel 1966 un contratto ai Doors, e da Robin Hurley; con la partecipazione del batterista John Densmore, del chitarrista Robby Krieger, del tastierista Ray Manzarek, e di tutta l’eredità lasciata dal cantante e icona Jim Morrison. Holzman, noto al mondo discografico per le sue idee all’avanguardia, ha sempre spinto la band a creare testi e musiche innovative, che spiazzassero i fan e ne ha fatto il punto di forza di tutta l’immagine legata al gruppo.

 

Ora presenta e realizza un progetto da lui stesso definito visionario:

“Questo progetto è nato dal desiderio di digitalizzare il box set, di utilizzare le nuove tecnologie per dare ai fan una nuova e migliore esperienza. E proprio per questo motivo ha avuto senso scegliere The Doors. Sono sempre stati un passo avanti e la loro storia è una delle più grandi saghe del rock, insieme con la band, raccontiamo una storia avvincente con materiali provenienti dagli archivi dei Doors e da un centinaio di altre fonti che abbiamo recuperato in questi anni – un vero e proprio tesoro tra cui si trovano foto inedite, interviste mai viste, girati dietro le quinte degli eventi live. Il tutto consegnato in un singolo download: questo è un approccio avvincente per mostrare l’intera carriera di una band. Credo che abbiamo gettato le basi per il futuro delle applicazioni musicali … indubbiamente una buona cosa da fare!”

 

Proprio queste parole, pronunciate da un uomo molto vicino alla band mi hanno fatto riflettere. Consegnare in un unico pacchetto pre confezionato una storia lunga anni è un vero peccato: è perdersi il gusto di andare in negozi di dischi usati per pescare il vinile che manca alla tua collezione, è strappare il poster ingiallito del bel Jim che ti guarda con gli occhi tenebrosi, è il non assaporare il piacere di una canzone ascoltata per la prima volta. Una vera passione coltivata negli anni perde di significato se servita tutta in un’unica soluzione e chi ha collezionato cimeli di un gruppo rock storico ne sa qualcosa. Sicuramente case discografiche e produttori devono cavalcare l’onda del momento e se il mercato richiede un’app che app sia. Tuttavia non posso nascondere, data la mia natura nostalgica, una punta di disappunto verso un’operazione che non ha nulla del tributo ad uno delle più grandi band di tutti i tempi ma è una trovata commerciale, tant’è vero che in concomitanza con l’applicazione sono stati rimasterizzati la maggior parte dei loro cd. D’altra parte probabilmente questa operazione porterà molti giovanissimi ad avvicinarsi ad una storia grandiosa ed avvincente, fatta di miti ed eroi, poesia e musica, sperando che la curiosità suscitata dalla tecnologia li spinga a generare un nuova passione.

 

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"Non credo che questo libro sia soltanto scandaloso e sexy. È la storia di una ragazza che diventa adulta nel migliore dei mondi possibili. Erano tempi di confusione religiosa e sessuale, droghe, pericolo ed estasi. Come annunciava il mio eroe, Bob Dylan, i tempi stavano cambiando e volevo annunciare anch’io questi imminenti cambiamenti, dare una mano a buttare giù le porte. Mi considero una donna americana pioniera della sessualità, e continuo a spassarmela tutti i santi giorni! Spero che vi godiate questa mia giovane vita ben vissuta, e spero che vi riporti a un tempo in cui il mondo era in fermento per l’entusiasmo e le gioiose aspettative. Sono onorata di avere passato del tempo con ciò che di più bello e splendente avesse da offrire il Rock’n’Roll. Rifarei tutto quanto in un battito di cuore."

E' Pamela Des Barres a parlare, la protagonista di un libro forte ed entusiasmante,  "Sto con la band", edito da Castelvecchi.

La musica e i gruppi rock emergenti quando Pamela ha solo 14 anni diventano per lei un richiamo seducente e irresistibile: grazie alla sua bellezza e alla sua intraprendenza diventa una vera e propria groupie, a spasso per il mondo con i più grandi musicisti dell'epoca.

Pamela in realtà è una ribelle, una donna forte senza paura, paura di dimostrare la sua sensualità e il suo corpo, paura di non desiderare una famiglia, dei figli e una vita legata alla provincia.

Realizza i suoi sogni, essere se stessa in un momento storico travagliato e difficile, denso di cambiamenti culturali e sociali e seguire la musica dalla parte di chi la promuove tra le persone, da chi la vive ogni giorno, portando una rivoluzione nel mondo, svegliando le menti, solleticando gli spiriti.

Diventa un'icona, realizza diversi shooting fotografici per artisti famosi, diventa l'amante di musicisti come Mick Jagger, Jimmy Page, Keith Moon, Frank Zappa e altri mostri sacri del rock e anche in questo modo afferma la sua sete di libertà, lontana dalle inibizioni e dal perbenismo bigotto che l'aveva soffocata per tutta la sua infanzia.

Una vera pioniera e rivoluzionaria.

 

 

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Domenica, 28 Aprile 2013 17:40

Man Ray, l'uomo che si innamorò della luce

Si sa, la luce è amica e nemica del fotografo: intento a creare un’impressione perfetta, essa può determinare la buona riuscita di interi giorni di lavoro. Man Emmanuel Rudnitzky prima se ne innamorò e successivamente fuse il suo nome col suo: così nacque MAN RAY celeberrimo fotografo, che diede il suo cuore non solo all’arte, non solo alla luce, ma soprattutto a Parigi. Amico intimo di Marcel Duchamp, che conobbe in una New York stanca e polverosa, si trasferì nella Ville Lumière in cerca di ispirazione, per conoscere la straordinaria magia che trasformava gli artisti in geni, che vedeva ogni giorno l’aura fatata di Picasso, Dalì, Hemingway, emergere dal buio delle banalità. A Parigi, Man Ray, “torna bambino” come scrive in una lettera al fratello Sam, in questa città “sempre in movimento, sempre gioiosa” trova la sua dimensione di artista, da pittore vicino al cubismo, a fotografo sempre più astratto, dadaista precursore di un surrealismo incombente nei salotti e nelle gallerie della capitale. L’avanguardia diventa il suo terreno di azione, pronto a scardinare qualsiasi canone, qualsiasi regola in campo artistico, ma è la tendenza a pensare a un passato artistico idilliaco e perfetto a renderlo unico: non solo un innovatore pieno di verve antiborghese, ma anche un devoto amante del rinascimento, delle sue forme morbide e armoniche, del suo attento studio sulla luce e la prospettiva. Eleganza, cultura, passione, carica erotica, senso di ribellione convivono nei lavori di Man Ray, quasi bilanciandosi ed equilibrandosi tra loro in un miscuglio accattivante e irresistibile, incomprensibile alla maggior parte del suo pubblico che ad ogni modo lo apprezza e lo ama. Amore che arriva soprattutto dai colleghi artisti e dalla critica. Innovatore nei soggetti e nei contenuti, assoluto maestro del nudo senza pudore, sfacciato e anticlericale, fu soprattutto innovatore nelle tecniche fotografiche: inventò la Raygraphie, quasi per caso, un procedimento per cui l’oggetto viene impresso sulla pellicola senza l’uso della macchina, non una copia fedele, ma l’anima dell’oggetto che si manifesta: dichiarò dopo la scoperta “Gli oggetti non sono mai stati così vicini alla vita vera come nel mio nuovo lavoro.” Fu costretto a tornare negli Stati Uniti a seguito delle leggi razziali che investirono l’intera Europa, ma riuscì a tornare a Parigi nei suoi ultimi anni di vita. Montparnasse era ormai diventata la sua casa ed è lì che decise di farsi seppellire nel 1976 quando morì. La sua lapide riporta un epitaffio emblematico della sua visione artistica e del suo carattere: “Non curante, ma non indifferente.”
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Mercoledì, 10 Aprile 2013 13:35

We love, we laugh, we create: Ymanja Atelier

Il countdown a Nerospinto Borderline Design Week oggi ci porta a conoscere Shary Taddei e Evan del Franco stilisti fondatori di Ymanja Atelier, casa di moda innovativa e tradizionale al tempo stesso, contemporanea eppure legata a una dimensione antica del fare sartoria.

 

Ispirati dallo spettacolo offerto dalla costa ischitana, dalle sue acque cristalline e dai suoi scogli assolati, Shary e Evan prendono spunto per la creazione di un atelier che colleghi le loro origini alla loro passione per la moda.

Ymanja Atelier va oltre il creare abiti, è un modo di vivere, di concepire la moda, è cucire non solo con ago e filo, ma con passione, dedizione e cura, è la bellezza della natura che emerge in ogni concept. Le creazioni di Shary e Evan sono toccate dalla Mano di Ymanja, dea delle acque afro-brasiliana.

Le contraddizioni che connotano il lavoro di questi due giovani stilisti si rispecchiano anche nelle location che ospitano le loro collezioni: da una parte la verace ed elegante Ischia, dall'altra la frenetica e sofisticata Milano, capitale internazionale della moda. Siamo sicuri di aver attirato la vostra attenzione con queste poche parole per cui se volete conoscere Shary e Evan, il loro percorso di stilisti e soprattutto se volete apprezzare le loro creazioni venite alla Nerospinto Boderline Design Week, sabato 13 aprile dalle ore 19.00 allo spazio Giulio Romano 8.

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Mercoledì, 13 Febbraio 2013 12:41

Frida Kahlo, “Viva la vida”

“Spero che l’uscita sia gioiosa e spero di non tornare mai più.” (Frida Kahlo) Se tutte le sofferenze umane fossero state dipinte, di certo Frida Kahlo sarebbe stata la mano che le avrebbe rese immortali sulla tela. Un po’ come ha fatto dai vent’anni fino alla sua morte, a Coyoacàn, Messico, nel 1954, nella casa dove era nata. Una vita contraddistinta da eventi tragici, uno dopo l’altro, quasi senza sosta, in un susseguirsi inarrestabile di sfortune: dopo la malformazione congenita data dalla spina bifida, Frida rimane coinvolta in un incidente stradale tra un autobus e il tram che solitamente prendeva per tornare a casa da scuola. Ne esce malconcia, costretta a rimanere a letto ingessata dal collo in giù per quasi un anno: è in questo periodo che inizia a dipingere, i genitori attrezzano il suo letto a baldacchino in modo che possa autoritrarsi. E proprio dipingendo il suo viso che riesce a trovare la sua perfetta estetica: una pittura che viene descritta da tutti i critici del tempo come una pittura surrealista, definizione che la Kahlo rifiuta. La sua carriera artistica decolla dopo l’incontro con Diego Rivera, famoso muralista, attivista politico e rivoluzionario, che sposerà dopo poco tempo. La relazione con Rivera è tormentata: lui è un famoso donnaiolo e non le rimane fedele, lei lo ripaga con la stessa moneta. I litigi sono continui e sempre più violenti, arrivano alla separazione dopo il tradimento più grave, Diego seduce la sorella di Frida, Cristina. Divorziano, la rottura è definitiva, o almeno sembra. Frida si rinchiude in una solitudine fatta di tequila, morfina e sesso, si abbandona alle sue tendenze omosessuali, liberandosi di qualsiasi inibizione sociale: è una rivoluzionaria radicale e ama questo stile di vita dissoluto. La separazione da Rivera è un momento di grande creatività e produttività artistica, affina la sua tecnica, scava ancora più a fondo nelle questioni irrisolte della sua vita. Arriva ad essere conosciuta negli Stati Uniti e in Europa. Nel frattempo il suo corpo straziato inizia a dare segni evidenti di cedimento. Tra un’operazione e l’altra ritorna in contatto con Rivera e si risposano nel 1940 a San Francisco, durante un lungo viaggio attraverso gli Stati Uniti. Gli ultimi anni di vita dell’artista messicana sono quasi passati interamente a letto: dopo un ultimo viaggio a Parigi, dove viene definitivamente riconosciuta come artista di fama internazionale, torna in patria dove sarà la prima donna ad ottenere una mostra personale a Città del Messico. Chiedere e spiegare perchè Frida piaccia così tanto a noi di Nerospinto mi sembra davvero superfluo. Come non appasionarsi ad una donna tanto tenace? Tanto attaccata alla vita? Capace di sopportare così tante sofferenze? Frida Kahlo ha veramente fatto della sua arte il suo grido di strazio, ha vissuto il suo inferno terreno, ha amato, ha odiato, ha sentito tutto. Sul suo ultimo quadro ha scritto “Viva la Vida”, inno ad un tempo terreno insopportabilmente doloroso ma comunque intensamente vissuto.

Noi di Nerospinto vi consigliamo la visione di due film sulla vita di Frida Kahlo: “Frida, Naturaleza Viva” (1986) diretto da Paul Leduce e interpretato da Ofelia Medina. “Frida”, tratto dalla biografia scritta da Hayden Herrera, diretto da Julie Taymor e interpretato da Salma Hayek, che proprio grazie a questo film ha ricevuto una nomination all'Oscar come miglior attrice. Il film è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia nel 2002. E consigliamo anche la lettura del libro: “Viva la vida” di Pino Cacucci

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L’utilizzo della plastica per creare complementi di arredo è stata una vera e propria rivoluzione: ha aperto le porte a una concezione più dinamica e innovativa dei materiali, ai materiali che si sottomettono al designer e non il contrario. Proprio per celebrare questa storia fatta di creatività e coraggio è stato scritto un libro “Kartell - The culture of Plastic”, che narra gli eventi che hanno portato la famosa azienda italiana a diventare una vera e propria auctoritas nel campo del design, vera pioniera dell’arredamento in plastica e dell’interior fitting. Fondata nel 1949 da Giulio Castelli, Kartell nata con l’intento di incarnare l’intuizione materica di Fontana, lo spirito innovatore del Futurismo e la voglia di osare. Una storia che è partita da un ingegnere chimico Giulio Castelli e che, anno dopo anno, ha collegato come un filo rosso i nomi di alcuni tra i più grandi designer al mondo, da Joe Colombo a Philippe Starck, da Gae Aulenti a Ettore Sottsass e poi ancora Marco Zanuso, Ron Arad, Antonio Citterio e Vico Magistretti. "Volevo fare qualcosa di nuovo con i nuovi materiali che il mercato stava rendendo disponibili, cercando di generare attraverso i miei prodotti bellezza, innovazione e soprattutto sorpresa”, dice il fondatore. Un libro importante arricchito anche da due saggi introduttivi: “I love Kartell” di Franca Sozzani, direttore di Vogue Italia, e “La cultura della plastica” di Silvana Annichiarico. Il libro è un viaggio nella storia del marchio condotto attraverso il contributo di storici, architetti, designer e responsabili di produzione di uno dei nomi che hanno reso l'Italia celebre nel mondo. Un must have da collezione e un esempio lampante del migliore sogno Made in Italy.
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Giovedì, 31 Gennaio 2013 19:00

Tim Burton Mr. Nerospinto

Chi potrebbe essere più Nerospinto del re del gothic movie Tim Burton? Il regista californiano torna nelle sale italiane con un lungometraggio d’animazione in bianco e nero realizzato in stop motion, Frankenweenie. In realtà quest’ultimo lavoro è il risultato di un’idea che Burton ebbe nel 1984 e che solo oggi è riuscito a portare a compimento. Film 100% Burton, quasi una summa di tematiche e stile che hanno caratterizzato l’estroso regista per tutta la sua produzione. Da BeetleJuice (1988) a Dark Shadows (2012) Tim Burton ha collezionato successi e debacle rimanendo sempre fedele ai dettami del suo fare cinema. Non a caso si ripete spesso nella scelta dei suoi attori e delle sue tematiche: il regista si è creato un mondo e in quel mondo vuole rimanere. I suoi film sono la sua casa: in essi si riconosce, si sente a suo agio, si nasconde nelle sue scene per non comparire sulle cronache mondane di L. A.. Ma proprio l’introversione del regista e la sua riconoscibilità estetica ne fa un’icona per milioni di fan. Tematiche, stilistica e cast sono le categorie che Tim Burton riproduce in ogni suo film. I protagonisti sono emarginati sociali, spesso bambini, dotati di un carattere particolare che li rende “strani” agli occhi della maggior parte delle persone, soffrono quindi di solitudine e spesso temono di essere dei folli. Da qui ne deriva uno stile dark, gotico-fiabesco, a volte declinato nel lungometraggio d’animazione, spesso in bianco e nero, altre volte accostato a una tecnica cinematografica tradizionale, priva di effetti speciali, ma con trucco e scenografie esagerate ed eccentriche. Tuttavia sono gli attori il vero feticcio burtoniano: dal celeberrino Johnny Depp, con il quale ha collaborato ben otto volte, dal primo Edward mani di forbici all’ultimo Dark Shadows, passando per i pesonaggi di Willy Wonka e Sweeny Todd, ad alcune donne-musa come Michelle Pfeiffer, Winona Rider, Eva Green e la compagna di vita Elena Bonham Carter. La vera capacità di Burton è quella di saper parlare un linguaggio trasversale a tutte le età del pubblico che lo segue: i cartoni animati non sono abitati da animaletti carini e dai grandi occhi blu, sono piuttosto spaventosi e parlano di morte, amore, perdita, solitudine, indifferenza, colpendo profondamente anche il pubblico adulto. Viceversa accade per i film, che pur non essendo destinati ai piccoli sono sempre apprezzati perchè divertenti, ironici, scanzonatori e caratterizzati da personaggi stravaganti e coloratissimi. Noi di Nerospinto amiamo la dualità del regista californiano: amiamo essere bambini e perderci nei suoi lavori, ma amiamo anche riflettere sulle problematiche che almeno una volta nella nostra vita ci hanno colpito e fatto soffrire. Amiamo genio e sregolatezza. Amiamo i suoi capelli spettinati e la sua aria da pesce fuor d’acqua. Insomma, di Burton amiamo pressochè tutto.

Consigliamo la lettura del libro “Morte melanconica di un bambino ostrica e altre storie” dello stesso Tim Burton, pubblicato in Italia nel 1998 dalla casa editrice Einaudi, tradotto da Nico Orengo.

A Milano e dintorni “Frankenweenie” è nelle seguenti sale:

Cinema Arcadia, Melzo 20066 Via Martiri della Libertà

ore, 20.10

Cinema Arcadia, Bellinzago Lombardo 20060 Strada Padana Superiore, 154

ore, 17.35

Cinema Le Giraffe Multisala, Paderno Dugnano 20037 Via Brasile, 4/6

ore, 16.40, 18.30

Cinema Odeon 5, Milano 20121 Via Santa Radegonda, 8

ore, 12.45, 11.50, 13.55, 16.00, 18.10

Cinema Skyline Multiplex, Sesto San Giovanni 20099 Via Milanese, 1

ore, 17.40

The Space Cinema, Rozzano 20089 Corso Sandro Pertini, 20

ore, 14.40, 17.00, 19.15

UCI Cinemas Bicocca, Milano 20126 Viale Sarca, 336

ore, 15.10, 17.30, 19.40

UCI Cinemas Certosa, Milano 20157 Via Giorgio Stephenson, 29

ore, 17.10

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“La pittura è una professione da cieco: uno non dipinge ciò che vede, ma ciò che sente, ciò che dice a se stesso riguardo a ciò che ha visto.” (Pablo Picasso)

É stata prolungata fino al 27 gennaio 2013 la mostra di Pablo Picasso a Palazzo Reale a Milano. Un evento che ha visto il grande artista spagnolo padrone degli spazi espositivi per ben 5 mesi, con un’affluenza di migliaia di appassionati.

Questa mostra si è distinta dalle precedenti non solo per la quantità delle opere esposte, oltre 250, ma anche perchè molti di questi capolavori non erano mai usciti dal museo di Picasso di Parigi.

La curatrice, Anne Baldassarri, ha spiegato che l’esposizione è stata strutturata in modo da condurre l’utente attraverso la linea evolutiva che ha caratterizzato la produzione artistica del genio spagnolo. Questo percorso si snoda dal periodo blu a quello rosa, dal periodo della ricerca “africana” o proto-cubista, al Cubismo Sintetico e al Cubismo Classico, per poi proseguire con le pitture surrealiste. Presenti opere anche del periodo del coinvolgimento politico e i dipinti sul tema della guerra, l’interludio pop e le variazioni sul tema ispirate ai grandi maestri dell’arte rinascimentale e moderna, fino alle sue ultimissime produzioni prima delle morte nel 1973.

Noi di Nerospinto abbiamo scelto di parlare di Picasso per la sua forte carica emotiva, la capacità di celare il suo punto di vista dietro opere apparentemente incomprensibili. Per il suo essere poliedrico e fedele alla sua poetica. Per aver sfidato canoni estetici fissati da anni e aver sconvolto il panorama artistico internazionale.

 

Infoline e prevendita: 02 54911

www.ticket.it/picasso

Orari

lunedì, martedì e mercoledì: 8.30-19.30

giovedì, venerdì, sabato e domenica: 9.30-23.30

Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura

Biglietti

€ 9,00 INTERO

€ 7,50 RIDOTTO Minori dai 6 ai 18 anni, studenti fino ai 26 anni, visitatori oltre i 65 anni, portatori di handicap, soci Touring Club con tessera, possessori TOURIST CARD MILANO – AmaMi Card, militari, forze dell’ordine non in servizio, insegnanti, dipendenti Gruppo 24 ORE + un accompagnatore, Dipendenti Unipol con badge e società annesse, dipendenti con badge e abbonati annuali Trenord, dipendenti Coin con badge e possesori di Coin Card, dipendenti Petit Bateu con badge e possesori di Petit Bateu card, dipendenti Publitalia con badge, tesserati ARCI con tessera, soci Coop con tessera.

€ 4,50 RIDOTTO SPECIALE Gruppi di studenti delle scolaresche di ogni ordine e grado, gruppi organizzati direttamente dal Touring Club, volontari Servizio Civile muniti di tesserino, dipendenti ATM e abbonati annuali ATM

GRATUITO Minori fino ai 6 anni, un accompagnatore per ogni gruppo, due accompagnatori per ogni gruppo scolastico, un accompagnatore per disabile che presenti necessità, un accompagnatore e una guida per ogni gruppo Touring Club, possessori coupon Vivi Milano del Corriere della Sera, dipendenti della Soprintendenza ai Beni Architettonici e Artistici, giornalisti iscritti allìalbo previo accredito, tesserati ICOM, guide turistiche munite di tesserino di abilitazione

€ 10,00 BIGLIETTO CHARITY intero

€ 8,50 BIGLIETTO CHARITY ridotto

Acquista i biglietti Charity e sostieni la Fondazione Ricerca sulla fibrosi cistica (onlus)

 

 

 

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Martedì, 22 Gennaio 2013 17:39

Madame brassière

È passato più di un secolo dalla realizzazione del primo reggiseno brevettato: ciò che per le donne di oggi è un capo da esibire e scegliere con cura tra una gamma pressochè infinita di varianti, un tempo è stato al centro di una rivoluzione sociale divenendo simbolo di emancipazione e libertà femminile.

Si deve a Vogue la prima apparizione del reggiseno sulla carta stampata grazie alle mani del famoso sarto Paul Poiret e nel 1913 Mary Phelp Jacob, nota come Carezza Crosby, brevettò il primo modello, antenato degli odierni, ma questi tentativi iniziali non riscossero successo tra le donne.

Solo con l’avvento della prima guerra mondiale le donne fecero di necessità virtù: avendo bisogno di essere più libere nei movimenti per lavorare in sostituzione dei mariti al fronte, abbandonarono i vecchi corsetti e il passaggio al nuovo underwear fu definitivo. Insieme al diffondersi del reggiseno si assistette ad un cambiamento sociale che vide il consolidarsi di un nuovo ideale del corpo femminile: fu il periodo d’oro di attrici come Marylin Monroe, Jane Russel, Gina Lollobrigida, Sophia Loren. L’ideale di bellezza si incarnò nella donna formosa, giunonica, con curve generose e armoniche, una donna rassicurante e accogliente.

Nel 1968 insieme ai grandi sconvolgimenti sociali, il reggiseno divenne il simbolo dell’emancipazione femminile, della donna che vota, che può decidere di divorziare, che può studiare ed essere libera dai vincoli imposti dalla società antecedente quegli anni.

Successivamente il reggiseno perse quella carica rivoluzionaria per diventare un capo noto a tutto l’universo femminile: nacquero le grandi case di produzione di reggiseni, come La Perla e Huit, che proposero capi innovativi con forme, colori e tessuti diversi. Proseguendo negli anni il reggiseno divenne un capo irrinunciabile carico di una femminilità particolare. Stilisti di fama internazionale  hanno dedicato ad icone del mondo della moda e della musica reggiseni creati ad hoc che sono adesso vere e proprie opere d’arte: che abbiano fatto storia o solo scandalo a noi non importa. A noi di Nerospinto piace che sia push up o sportivo, a balconcino o di pizzo, ci piace che il reggiseno rappresenti ogni donna, con la sua personalità e carattere.

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Martedì, 22 Gennaio 2013 01:43

Poeta intrappolato in un cuore di donna

“Mio amato, sono certa di stare impazzendo di nuovo. Sento che non possiamo affrontare un altro di quei terribili momenti. E questa volta non guarirò. Inizio a sentire voci, e non riesco a concentrarmi. Perciò sto facendo quella che sembra la cosa migliore da fare. Tu mi hai dato la maggiore felicità possibile. Sei stato in ogni modo tutto ciò che nessuno avrebbe mai potuto essere. Non penso che due persone abbiano potuto essere più felici fino a quando è arrivata questa terribile malattia. Non posso più combattere.” (Virginia Woolf)

Figlia di uno scrittore e di una modella, Virginia Woolf fu educata in casa come voleva la tradizione vittoriana, a contatto con alcuni dei maggiori esponenti della letteratura inglese del suo tempo come T. S. Eliot e Henry James. Fu presto evidente ai genitori e agli illustri visitatori di Hyde Park Gate 22, che Virginia avesse un particolare talento per la narrativa e la poesia con una spiccata inclinazione ad acute osservazioni di natura critica. Vittima di abusi da parte dei fratellastri e ben presto orfana, Virginia cadde in depressione e prima dei vent’anni tentò il suicidio. Da qui iniziò una serie di episodi psicotici che, purtroppo, caratterizzarono tutta la sua esistenza. Da una parte la Woolf fu una donna estremamente forte e caparbia, fondò insieme ai fratelli Toby e Vanessa il Bloomsbury Group, circolo letterario che, con le sue “Serate del giovedì”, dettò cultura nella Londra dei primi anni del 1900, fondò con Leonard Woolf, suo marito, la Hogarth Press, casa editrice di autori quali Svevo, Freud, Eliot, Joyce, Mansfield, militò tra le Suffragette, insegnò alle operaie delle periferie a leggere e scrivere con corsi serali gratuiti.

Dall’altra parte fu una donna fragile e instabile, vittima di un continuo disagio nei riguardi della sua epoca della quale non si sentì mai partecipe. Vivendo in un continuo stato di inadeguatezza e depressione tentò il suicidio ripetutamente fino a togliersi definitivamente la vita, nel 1941, a Rodmell nel Sussex, annegandosi in un fiume.

Grande fu la produzione letteraria di Virginia Woolf: il suo capolavoro, Mrs. Dalloway, divenne manifesto delle donne di una intera epoca. La Woolf era schietta, sincera, metteva sulla carta le preoccupazioni e le paure di tutte le donne, senza veli, vergogne o ipocrisie. Era facile immedesimarsi nelle sue opere anche se di difficile comprensione e di estrema difficoltà critica. Quante volte, leggendo To the lighthouse, abbiamo percepito la malinconia di Mrs. Ramsey, che mentre cuce un paio di calze per un bambino riflette sulla sua intera esistenza, sugli errori, i rimpianti, le debolezze e le oscurità dell’animo femminile. Quella malinconia è la stessa di ogni donna, che immersa nella quotidianità, mentre decide che caffè prendere al supermercato o aspetta la metropolitana, ha una mente inarrestabile e instancabile, un flusso di pensieri costante e violento.

La Woolf fu una pioniera, una dona in grado di stare fra gli uomini e comportarsi come loro, (ebbe anche una relazione omosessuale), una donna che mantenne la sua sensualità e particolare bellezza senza però abbassarsi alle convenzioni che relegavano la figura femminile in un angolo. Volubile e estremamente sensibile odiava gli uomini per il loro ruolo prevaricante e dominatore all’interno della società, ma non poteva fare a meno di confrontarsi con le loro menti brillanti e vivaci, di sottrarsi al loro richiamo carnale, di volerne capire la natura.

Noi di Nerospinto abbiamo scelto Virginia Woolf per la sua contemporaneità e perchè amiamo gli eroi romantici, per il suo impegno libertario a favore dei diritti civili e per la parità dei sessi. Siamo rimasti affascinati dalla sua capacità di intessere amicizie durature con donne originali come quella con Vita Sackville West, con la quale ebbe una intensa relazione tale da ispirarla per la stesura del capolavoro Orlando.

Nerospinto consiglia inoltre la lettura dei libri

Thomas Szasz “La mia follia mi ha salvato”. La follia e il matrimonio di Virginia Woolf”, a cura di S. Petrilli, Spirali Editore, 2009

Richard Kennedy, “Avevo paura diVirginia Woolf”, Guanda, 2009

e la visione dei film:

The Hours, di Stephen Daldry, basato sul romanzo di Michael Cunningham. Con Nicole Kidman, Meryl Streep e Julianne Moore. 114 min, 2002

Orlando, di Sally Potter, basato sul romanzo di Virginia Woolf. Con Tilda Swinton. 93 min, 1992

Pubblicato in Cultura
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