Ferri dal 1905 e Italia a Tavola lanciano inTÉrcronia, il fumetto che racconta il tè tra cultura gastronomica, illustrazione e innovazione

Tempi lontani, gusti dimenticati, cibi alieni. Una frase che sembra appartenere a un racconto di fantascienza, ma che diventa il punto di partenza di inTÉrcronia, il nuovo progetto editoriale a fumetti ideato da Antonio Recupero per Munchausen Factory e nato dalla collaborazione tra Ferri dal 1905 e Italia a Tavola.

Al centro della storia un’esploratrice chiamata Kamelya, arrivata da un futuro indefinito con una missione: ricostruire un archivio di sapori perduti. Attraverso il linguaggio della nona arte, il progetto accompagna il lettore alla scoperta del mondo del tè, degli infusi e delle botaniche, trasformando un sapere complesso in un racconto accessibile e coinvolgente.

Presentato in anteprima all’Hotel Indigo Milan, inTÉrcronia nasce con un obiettivo preciso: avvicinare i professionisti dell’Horeca alla cultura del tè attraverso uno strumento immediato e inaspettato. Non una semplice striscia illustrata, ma un nuovo modo di parlare di gusto, formazione e ricerca.

Il tè oltre la tazza: una cultura da riscoprire

Per Ferri dal 1905 il tè non è mai stato soltanto una bevanda, ma una materia da conoscere e interpretare.

Da oltre un secolo l’azienda di Castel Goffredo, in provincia di Mantova, seleziona tè, infusi, spezie e botaniche pregiate provenienti da tutto il mondo, mantenendo una lavorazione artigianale italiana che permette di seguire ogni fase del processo: dalla scelta delle materie prime alla creazione di miscele personalizzate.

Una filosofia lontana dalla standardizzazione industriale e fondata sulla ricerca dell’identità di ogni prodotto. Dietro una miscela non c’è infatti un insieme casuale di ingredienti, ma una composizione studiata dove ogni elemento contribuisce all’equilibrio finale.

È proprio questa complessità che inTÉrcronia sceglie di raccontare attraverso le immagini: profumi, territori e tradizioni diventano parte di un immaginario narrativo.

La nona arte come strumento di formazione

Il fumetto entra così in un territorio insolito: quello della divulgazione gastronomica.

Se l’Accademia Ferri da anni porta avanti percorsi formativi dedicati al mondo del tè, inTÉrcronia rappresenta una nuova modalità per diffondere conoscenza in modo più leggero e immediato.

Come spiegato durante la presentazione del progetto, l’obiettivo non è sostituire la formazione tecnica, ma creare curiosità e stimolare l’attenzione dei professionisti su quei dettagli spesso sottovalutati che possono trasformare una semplice tazza in un’esperienza di qualità.

Dalla preparazione dell’acqua ai tempi di estrazione, fino al corretto servizio, inTÉrcronia invita a riscoprire quei dettagli spesso invisibili che determinano la qualità di una tazza di tè. 

Kamelya è accompagnata nel suo viaggio da un avatar olografico con le sembianze di Albino Ferri, Tea Master e anima di Ferri dal 1905, che assume il ruolo di un mentore: una presenza capace di guidarla nella riscoperta dei saperi legati al tè, agli infusi e alle botaniche. Attraverso questo espediente narrativo, contenuti tecnici e cultura gastronomica vengono trasformati in un racconto più immediato e coinvolgente, dove formazione e immaginazione si incontrano. 

Dal laboratorio artigianale alla mixology contemporanea

La presentazione milanese di inTÉrcronia ha trovato una cornice ideale nell’Hotel Indigo Milan, spazio dove design, ospitalità e memoria della città dialogano tra loro.

Le tavole originali del fumetto sono entrate in relazione con un ambiente che riflette la stessa filosofia del progetto: creare connessioni tra linguaggi differenti. 

Durante l’evento il tè ha superato la tradizionale dimensione della tazza per incontrare la mixology e l’alta pasticceria. Le miscele sono diventate protagoniste dei cocktail creati da Luigi Lillo, Bar Manager del Lounge Bar Mezzanotte presso Château Monfort, dimostrando la capacità del tè di offrire struttura, equilibrio e nuove profondità di gusto.  

A completare il percorso, la monoporzione di tiramisù firmata dall’Atelier Damiano Carrara, studiata per entrare in dialogo con le sfumature aromatiche dei tè e valorizzarne, attraverso l’abbinamento, la dimensione sensoriale. 

Un futuro disegnato a fumetti

In un’epoca in cui il racconto del cibo passa sempre più attraverso esperienza, estetica e contaminazione tra discipline, inTÉrcronia propone una prospettiva originale: utilizzare un linguaggio popolare per raccontare un patrimonio complesso.

Il progetto non semplifica il tè, ma ne amplia l’immaginario. Lo sposta dalla dimensione esclusivamente rituale per mostrarne il potenziale culturale, creativo e gastronomico.

Tra mondi futuri, sapori dimenticati e tradizioni da riscoprire, il viaggio di Kamelya suggerisce una riflessione: forse il futuro del gusto passa anche dalla capacità di tornare a osservare con attenzione ciò che abbiamo sempre avuto davanti.

Info Box

inTÉrcronia è il progetto editoriale a fumetti ideato da Antonio Recupero per Munchausen Factory e realizzato in collaborazione tra Ferri dal 1905 e Italia a Tavola. La striscia sarà pubblicata attraverso i canali editoriali della testata con l’obiettivo di diffondere la cultura del tè e delle sue applicazioni nel mondo Horeca.

Per maggiori informazioni: Accademia Ferri dal 1905 

Una fetta di torta gigante sormontata da una fragola XXL. A prima vista potrebbe sembrare il set di un film di Sofia Coppola o l’ennesima immagine generata dall’intelligenza artificiale. Invece è l’ultimo pop-up di Dior a Nanchino: uno spazio immersivo a forma di dessert, dove la nuova collezione si muove tra ceramiche lucide, dettagli pastello e scenografie che ricordano una pasticceria d’alta gamma.

L’immagine è spettacolare, ma soprattutto sintomatica. Perché la moda continua a tornare al cibo? E perché oggi sembra volerlo incorporare in modo sempre più radicale?

La risposta riguarda il desiderio. Ma anche il modo in cui il desiderio viene costruito, distribuito e consumato nell’era delle immagini.

Il lusso non si osserva più: si consuma

Per lungo tempo la moda ha fondato il proprio fascino sulla distanza. Corpi irraggiungibili, ambienti esclusivi, campagne costruite come mondi separati dalla realtà. Oggi quella distanza si è accorciata. La moda non vuole più soltanto essere guardata: vuole essere vissuta, fotografata, condivisa.

In questo scenario il cibo diventa uno strumento potentissimo. Una ciliegia lucida, una fetta di torta, un cocktail perfettamente costruito parlano un linguaggio immediato e universale. Non richiedono interpretazioni, ma attivano una risposta istintiva.

Il fashion system ha capito che il cibo possiede qualcosa che il lusso ha sempre inseguito: la capacità di evocare piacere in una frazione di secondo.

Non è un caso che sempre più campagne, allestimenti e iniziative utilizzino l’immaginario gastronomico. Il cibo traduce il desiderio in un’immagine facilmente riconoscibile, condivisibile e soprattutto consumabile.

Del resto, abiti e cibo hanno molto in comune. Entrambi seducono prima attraverso lo sguardo, producono aspettative, costruiscono identità e vivono all’interno della stessa economia dell’attenzione. Sono esperienze effimere che acquistano valore proprio nel momento in cui vengono desiderate.

Una lunga storia di contaminazioni

Il dialogo tra fashion e food non nasce certo oggi.

Negli anni Ottanta e Novanta Moschino trasformava packaging, bottiglie e menù in strumenti di satira pop, mentre Elsa Schiaparelli aveva già esplorato il potenziale surrealista dell’immaginario gastronomico decenni prima.

Chanel F/W 2014/15

Nel 2014 Chanel portò in passerella un supermercato interamente brandizzato, trasformando uno dei luoghi simbolo del consumo quotidiano in una scenografia del lusso. Un gesto che rendeva evidente quanto il desiderio e il consumo fossero ormai due facce della stessa medaglia.

Anche il cinema ha contribuito a costruire questa estetica. Marie Antoinette di Sofia Coppola, con i suoi macarons pastello, le montagne di panna e l’opulenza decorativa, ha anticipato gran parte dell’immaginario che oggi domina social network, campagne pubblicitarie e visual merchandising. Un universo dolce fino all’eccesso, dove l’abbondanza diventa linguaggio.

La differenza, però, è che oggi il cibo non è più soltanto un riferimento estetico. Le aziende del lusso aprono caffè, firmano ristoranti, organizzano cene performative e community dinner. Costruiscono eventi attorno alla convivialità, trasformando l’esperienza gastronomica in estensione del brand.

La moda non si limita più a rappresentare il cibo. Lo utilizza come spazio di relazione.

L’estetica della dolcezza

Marie Antoinette, Sofia Coppola, 2006

C’è poi una componente emotiva che spiega il successo di questo immaginario.

Basta osservare i codici visivi più diffusi degli ultimi anni: fragole perfette, ciliegie brillanti, glassa rosa, panna montata, colori burrosi e tonalità pastello. È un’estetica che richiama l’infanzia, i compleanni, il comfort food e una dimensione domestica rassicurante.

In un presente attraversato da instabilità economica, crisi geopolitiche e sovraccarico digitale, la dolcezza funziona come una forma di evasione. Una promessa di leggerezza in un contesto sempre più complesso.

Ma dietro questa superficie rassicurante si nasconde una costruzione attentissima. Nulla è spontaneo. La tavola apparecchiata, la fragola perfetta, il dessert monumentale sono elementi narrativi progettati per generare emozioni e consolidare un immaginario.

La dolcezza diventa scenografia.

E la scenografia diventa strategia.

Quando il fashion incontra il food porn

Iris Shoes Instagram

C’è infine una ragione molto concreta.

Il cibo è uno dei contenuti che funzionano meglio online. Da anni domina Instagram, TikTok e Pinterest perché cattura immediatamente l’attenzione e attiva una risposta emotiva quasi automatica.

La moda ha assorbito questa logica fino a sviluppare una propria versione del food porn.

Borse fotografate come pasticcini, scarpe accostate a dessert, inviti che sembrano menu degustazione, boutique trasformate in bakery immaginarie. Ogni elemento è studiato per generare la stessa reazione: desiderare prima ancora di comprendere.

L’obiettivo non è soltanto mostrare un prodotto, ma creare un’immagine capace di sopravvivere allo scroll.

Ci interessano ancora gli abiti?

È forse questa la domanda più interessante.

Quando osserviamo una campagna costruita tra frutta succosa, tavole imbandite e dolci scenografici, stiamo davvero aspirando al capo? Oppure stiamo reagendo all’atmosfera che lo circonda?

La moda contemporanea sembra aver spostato il proprio centro di gravità. Sempre meno prodotto, sempre più esperienza. Sempre meno oggetto, sempre più racconto.

Non vende soltanto abiti, ma mondi da abitare, identità temporanee e immagini da condividere.

Il cibo si inserisce perfettamente in questa trasformazione perché traduce il desiderio in qualcosa di immediato, emotivo e facilmente condivisibile. Ma proprio per questo porta con sé una contraddizione.

Più il desiderio diventa rapido, più rischia di essere fugace.

E così anche l’alta moda finisce per assomigliare a un dessert perfettamente decorato: irresistibile al primo sguardo, progettato per essere fotografato e consumato nell’istante.

Bella come una torta.

Effimera come il momento che precede il primo morso.

Che sia fondente, al latte o bianco, il cioccolato ha un potere raro: mettere d'accordo praticamente tutti. È il comfort food per eccellenza, ma anche una materia prima dalla straordinaria versatilità, capace di dare vita a dessert d'autore, gelati gourmet e persino creazioni che sfiorano l'arte. Non sorprende, quindi, che il 7 luglio gli venga dedicata una giornata mondiale.

Il World Chocolate Day celebra simbolicamente il giorno in cui, nel 1847, l'inglese Joseph Fry realizzò la prima tavoletta di cioccolato come la conosciamo oggi, segnando una svolta nella storia della pasticceria. Da allora il cacao ha attraversato epoche, culture e continenti, diventando uno degli ingredienti più iconici della gastronomia internazionale.

Ridurlo a una semplice golosità sarebbe però limitante. Dietro ogni tavoletta si intrecciano ricerca, selezione delle materie prime, tecniche di lavorazione sempre più raffinate e una costante sperimentazione di sapori e consistenze. È anche per questo che continua a essere protagonista durante tutto l'anno, estate compresa.

In occasione della ricorrenza, alcuni tra i nomi più interessanti della pasticceria italiana hanno scelto di celebrarlo attraverso interpretazioni che spaziano dalla tradizione all'innovazione.

Sacher monoporzione ambientata - Iginio Massari Alta Pasticceria

Tra i protagonisti spicca naturalmente Iginio Massari, che reinterpreta uno dei grandi classici della pasticceria europea: la Sacher. Nella sua versione, l'equilibrio tra cioccolato e confettura si arricchisce di nocciole, mele e lamponi, mantenendo l'eleganza che da sempre contraddistingue il maestro bresciano.

Il cacao diventa anche uno strumento per raccontare il territorio. Fabrizio Camplone, ad esempio, dedica una collezione di praline ai simboli di Pescara, trasformando monumenti e luoghi identitari in piccoli gioielli di cioccolateria artigianale.

A dimostrare che questo ingrediente non appartiene soltanto ai mesi più freddi sono soprattutto le interpretazioni estive. Il gelato Tropico Noir di Vincenzo Pennestrì unisce un cacao monorigine del Madagascar a mango e passion fruit, mentre Pariani Ferno 1953 propone un percorso sensoriale che esplora il cacao attraverso infusioni, creme e consistenze croccanti.

C'è poi chi sceglie di superare i confini della tradizione. Luca Valle, con Anima Concept Pizza, reinventa la storica pizza dolce abruzzese trasformandola in una pizza al padellino al cacao, mentre Salvatore Varriale porta questo ingrediente nel mondo dell'arte con una scultura dedicata a Diego Armando Maradona, dove tecnica e maestria artigianale si fondono.

Fruttini gelato di Grué

Il lato più raffinato dell'ingrediente trova spazio anche nei dessert d'autore. Il soufflé al fondente della pastry chef Irene Tolomei, la monoporzione MonoG di Emilio Glorioso e i Fruttini Gelato di Grué raccontano come consistenze, temperature e abbinamenti possano dare vita a esperienze sempre diverse.

Non mancano le reinterpretazioni dei grandi classici, come la torta pere e cioccolato firmata da Carlotta Filippini o la WillyTonka di Nicola Goglia, in cui il cacao incontra il caramello e la fava tonka. Anche la colazione si veste di nuove sfumature grazie alle proposte di Malìa Milano, ulteriore conferma della straordinaria versatilità del cioccolato.

Queste sono solo alcune delle iniziative pensate per il World Chocolate Day. Accanto ai nomi più noti, pasticcerie e laboratori artigianali in tutta Italia celebrano la ricorrenza con edizioni speciali e lavorazioni dedicate, dimostrando come il cioccolato continui a ispirare professionisti e appassionati.

In fondo è proprio questa la sua forza: saper essere, allo stesso tempo, un ricordo d'infanzia, un piccolo lusso quotidiano un simbolo dell'alta pasticceria contemporanea. Un ingrediente senza tempo che, morso dopo morso, continua a conquistare il palato di intere generazioni.

Cosa hanno in comune una bottiglia di grappa invecchiata e un tatuaggio destinato a restare sulla pelle per sempre? Molto più di quanto sembri: entrambi sono il risultato di una trasformazione lenta, di un sapere artigianale che modella la materia fino a farla diventare racconto. 

Da questa suggestione prende vita MTS x Berta – Art Collection, il progetto che unisce due mondi apparentemente lontani ma sorprendentemente affini: quello della Milano Tattoo School - prima accademia italiana dedicata alla formazione professionale nel tatuaggio e piercing - e quello delle Distillerie Berta, eccellenza piemontese riconosciuta a livello internazionale nel panorama della grappa d'autore.

Il risultato è una capsule artistica composta da tre etichette in edizione speciale che trasformano la bottiglia in una tela e il packaging in un'opera collettiva.

L'arte come dialogo tra generazioni

Marco Branchia, Alexandra Cecconi, Zuma, Aurelia De Luca, Oliviero Parini, Katia Polastri 

Lontano dalle classiche operazioni di branding, il progetto nasce come un vero laboratorio creativo in cui esperienza e formazione si incontrano.

Tre docenti della Milano Tattoo School - Katia Polastri, Marco Branchia e Zuma - hanno selezionato tre studenti particolarmente promettenti per sviluppare insieme altrettante etichette originali. Non semplici esercitazioni accademiche, ma un confronto autentico tra artisti affermati e nuove leve del tatuaggio contemporaneo.

Una scelta che riflette la filosofia della scuola milanese: trasformare il talento in professione attraverso il dialogo continuo tra tecnica, creatività e cultura visiva.

Rose, coccinelle e metamorfosi

La prima collaborazione vede protagoniste Katia Polastri e Aurelia De Luca.

L'incontro tra il tratto pittorico e fluido della direttrice artistica di MTS e la ricerca più sperimentale della giovane artista genera un'etichetta che gioca sul concetto di mutazione. Rose e coccinelle, simboli profondamente legati sia alla tradizione vitivinicola sia alla storia della famiglia Berta, diventano elementi narrativi in continua evoluzione. Un lavoro che racconta la fragilità e la forza del cambiamento attraverso un linguaggio visivo elegante e stratificato. 

Gatti azzurri e atmosfere da favola

Completamente diversa l'estetica sviluppata da Marco Branchia insieme ad Alexandra Cecconi.

I celebri gatti azzurri che popolano l'immaginario dell'artista incontrano l'universo etereo e luminoso della giovane tatuatrice, dando vita a una composizione sospesa tra sogno e racconto illustrato.

Colori chiari, dettagli poetici e una costruzione armonica delle figure creano un'etichetta che sembra uscita da un libro illustrato contemporaneo, mantenendo però quella cifra artistica che rende immediatamente riconoscibile il linguaggio di Branchia.

Distillatori anfibi e suggestioni steampunk

La terza proposta è forse la più narrativa.

Zuma e Oliviero Parini hanno costruito un immaginario popolato da rane antropomorfe trasformate in maestri distillatori, circondate da alambicchi in ottone e meccanismi ispirati all'estetica steampunk.

L'approccio grafico fonde l'influenza giapponese-western che caratterizza il lavoro di Zuma con la sensibilità retrofuturista di Parini. Sullo sfondo, le tradizionali onde giapponesi dialogano con colori vivaci e linee decise, dando vita a una scena di forte impatto che celebra la dimensione artigianale della distillazione. 

Oltre la bottiglia: il packaging come spazio di trasformazione

Il progetto non si esaurisce nelle bottiglie, ma si estende fino a diventare un vero e proprio campo di sperimentazione condivisa. Attraverso una sessione di Art Fusion, i sei artisti hanno lavorato insieme alla progettazione del packaging della collezione, trasformandolo in un oggetto narrativo autonomo, capace di sintetizzare e mettere in dialogo i diversi linguaggi espressivi. La presentazione ufficiale della confezione è prevista per il 17 settembre nella sede delle Distillerie Berta a Mombaruzzo, nel cuore del Monferrato, con un evento aperto al pubblico.

Un nuovo dialogo tra tattoo culture e Made in Italy

Negli ultimi anni la tattoo culture ha progressivamente superato i propri confini originari, entrando in dialogo con moda, design e arte contemporanea.

La collaborazione tra Milano Tattoo School e Distillerie Berta si inserisce in questo percorso come esempio di convergenza tra eccellenze italiane. Un progetto che dimostra come il tatuaggio possa oggi essere un linguaggio culturale maturo, capace di confrontarsi con altre tradizioni creative.

Tre bottiglie, sei artisti e un’unica narrazione: quella di un’Italia che continua a reinventarsi attraverso talento, artigianalità e visione.

Le Terme De Montel inaugurano la stagione estiva con un ricco programma di esperienze tra wellness, cultura e intrattenimento: dai nuovi rituali ai concerti Candlelight, fino al Light Garden che illumina le serate milanesi

Quando si pensa a San Siro vengono in mente immagini ben precise: il boato dello stadio nelle sere di partita, le luci dei grandi concerti che accendono il quartiere e, inevitabilmente, il traffico che si concentra nei giorni degli eventi. È uno dei luoghi simbolo di Milano, da sempre legato allo sport, alla musica e, più in generale, all'intrattenimento. Difficilmente lo si collegherebbe al silenzio, alla contemplazione o al benessere.

Eppure basta attraversare la strada che separa lo stadio Meazza dalle storiche ex Scuderie De Montel per ritrovarsi in un'atmosfera completamente diversa. Il rumore lascia spazio allo scorrere dell'acqua, il cemento a giardini rigogliosi e il ritmo frenetico della città rallenta fino quasi a scomparire. Qui, nel 2025, ha aperto Terme De Montel, il più grande parco termale urbano naturale d'Europa, un progetto che ha restituito nuova vita a uno degli edifici Liberty più affascinanti e meno conosciuti di Milano.

Le ex scuderie, progettate negli anni Venti dagli architetti Arrigo Cantoni e Paolo Vietti Violi – gli stessi dell'Ippodromo di San Siro – sono state riportate a nuova vita grazie a un importante intervento di riqualificazione conservativa. Il risultato non è soltanto il restauro di un edificio storico, ma la trasformazione di un luogo dimenticato in una destinazione dedicata al benessere.

Oggi i 16 mila metri quadrati del complesso ospitano piscine termali alimentate da acqua che sgorga da quasi 400 metri di profondità, saune, aree relax, sale trattamenti e un grande parco verde che sorprende per la sua tranquillità, soprattutto considerando la posizione nel cuore di Milano.

La sensazione, entrando, è quella di lasciare la città fuori dai cancelli.

Quando sono i dettagli a fare la differenza

Ciò che colpisce fin dai primi minuti non è soltanto la bellezza dell'architettura; a fare la differenza è soprattutto la cura riservata ai minimi dettagli. Il personale accompagna gli ospiti con discrezione e attenzione, mentre ogni elemento contribuisce a costruire un'identità precisa.

All'arrivo viene consegnata una shopper brandizzata contenente accappatoio, asciugamano e ciabatte. È un dettaglio apparentemente semplice, ma racconta bene la filosofia della struttura. Ogni accappatoio è contraddistinto da un simbolo ricamato sulla schiena che permette di riconoscerlo immediatamente evitando, così, uno degli inconvenienti più frequenti nei centri benessere: confonderlo con quello di qualcun altro. Al termine della visita shopper e ciabatte possono essere portate a casa come ricordo dell'esperienza.

Il percorso benessere comprende quattro saune, bagno turco, tepidarium e una banja russa tra le più grandi d'Italia. A rendere tutto ancora più coinvolgente sono i rituali guidati dai maestri di sauna, che alternano getti di vapore, aromaterapia e tecniche di diffusione del calore trasformando la classica sauna in una vera esperienza multisensoriale.

Tra i momenti più apprezzati c'è anche l'aperitivo serale, incluso in alcune formule d'ingresso: quaranta minuti davanti a un buffet ricco di proposte, comprese opzioni vegetariane e vegane, accompagnato da un drink a scelta, anche analcolico. Un modo piacevole per prolungare il relax prima di rientrare in città.

L'estate 2026: quando le terme diventano una destinazione

Se durante tutto l'anno De Montel rappresenta una pausa dalla routine milanese è con il programma estivo che il progetto amplia davvero i propri confini.

Per l'estate 2026 nasce Sorgente Urbana di Benessere, un calendario di appuntamenti che trasforma il complesso in un luogo dove wellness, cultura, musica e socialità convivono nello stesso spazio.

L'intero parco cambia volto. Le aree verdi vengono allestite con installazioni ispirate ai paesaggi mediterranei, tessuti sospesi, composizioni floreali e giochi di luce che richiamano il mare e le atmosfere delle vacanze. Il risultato è quello di una piccola evasione urbana dove il tempo segue ritmi completamente diversi.

Anche i rituali si adattano alla stagione. L'Aura Solis Aufguss porta in sauna fragranze agrumate di bergamotto, arancia dolce e limone; il Floating Sound Bath abbina il galleggiamento in acqua alle vibrazioni sonore per favorire un rilassamento profondo; la Sun Breath Meditation propone sessioni guidate di respirazione all'aperto, mentre il Frozen Mint Scrub sfrutta il contrasto tra caldo e freddo per regalare una piacevole sensazione di freschezza.

Tra le novità dell'area trattamenti arriva anche l'Icing Massage con Criosphere, un massaggio che utilizza il freddo localizzato per alleggerire la sensazione di gambe affaticate, particolarmente frequente durante i mesi estivi.

Tra cocktail, cinema e concerti sotto le stelle

Con l’arrivo della bella stagione è soprattutto il parco a cambiare.

Il nuovo Summer Bar affacciato sulle piscine propone signature cocktail, grandi classici e drink analcolici, mentre il dehors realizzato in collaborazione con GROM offre una pausa più informale. Nei fine settimana arriva anche Pizza & Relax, una formula che unisce pizza, musica e serate all'aperto.

Quando cala il sole, il giardino si trasforma grazie al Light Garden: ogni sera, dalle 21 alle 23, installazioni luminose e riflessi sull'acqua creano un'atmosfera suggestiva che accompagna il passaggio dal giorno alla notte. Tra gli elementi più scenografici spicca una grande altalena ad acqua, pensata per restituire agli ospiti un senso di leggerezza e di gioco che troppo spesso si perde nella vita quotidiana.

L'estate di De Montel guarda anche alla cultura. Il programma comprende concerti Candlelight Open Air, con omaggi a Queen, ABBA, Coldplay e Imagine Dragons illuminati da migliaia di candele, mentre la rassegna Cinema sotto le Stelle porta tra le piscine film come Vacanze Romane e Mamma Mia!.

Il calendario comprende inoltre eventi dedicati allo yoga, degustazioni a tema, performance artistiche, DJ set e musica dal vivo, consolidando il complesso come uno dei nuovi punti di riferimento della stagione milanese.

Benessere e arte contemporanea

Flotation device Caterina Perego, Edoardo Bonacina - NABA

A completare il percorso c'è Balneum, il progetto nato dalla collaborazione con NABA |Nuova Accademia di Belle Arti, visitabile fino a dicembre.

Le opere realizzate dagli studenti si inseriscono negli spazi delle terme dialogando con l'architettura, l'acqua e la luce. Fotografia, pittura, video e installazioni site-specific trasformano il centro in una galleria diffusa, dove il wellness non riguarda soltanto il corpo ma coinvolge anche lo sguardo e la percezione.

In fondo è proprio questa la filosofia che sembra guidare De Montel: non limitarsi a offrire un luogo dove rilassarsi, ma costruire un'esperienza capace di legare cultura, architettura, natura, benessere e socialità.

Perché il vero lusso, oggi, non è semplicemente concedersi qualche ora in una spa: è riuscire a sentirsi altrove, pur restando nel cuore di una delle città più dinamiche d’Italia.

Gli occhi raccontano tutto. Raccontano le notti insonni, le giornate troppo lunghe, le risate che hanno lasciato il segno e perfino quelle preoccupazioni che preferiremmo tenere per noi. Sono il punto del volto su cui si concentra per primo lo sguardo degli altri e, spesso, anche il primo a mostrare il passare del tempo.

Non è un caso che il contorno occhi sia considerato una delle aree più delicate del viso. La pelle che circonda lo sguardo è particolarmente sottile, povera di ghiandole sebacee e costantemente sollecitata dalla mimica facciale. Ogni sorriso, ogni smorfia, ogni espressione contribuisce a scrivere una storia sulla pelle. Una storia autentica, certo, ma che non sempre corrisponde all'immagine che abbiamo di noi stessi.

Rughette, occhiaie, borse e palpebre che tendono a cedere sono tra gli inestetismi più comuni e possono comparire molto prima di quanto si immagini. A spiegarlo è il dottor Dario Tartaglini, Direttore Sanitario di Betar Medical, centro specializzato in medicina estetica a Milano.

Secondo il medico, i primi segni dell'invecchiamento perioculare possono diventare evidenti già intorno ai trent'anni. In questa fase, tuttavia, non è necessario ricorrere immediatamente a trattamenti correttivi invasivi. L'obiettivo principale è preservare la qualità della pelle e stimolare i naturali processi di rigenerazione cutanea.

Tra le soluzioni più utilizzate rientra la biorivitalizzazione, un trattamento che aiuta a nutrire e idratare in profondità i tessuti. Nei casi che richiedono un'azione più intensa, si può intervenire con laser non ablativi capaci di stimolare la produzione di collagene ed elastina attraverso il processo della neocollagenesi. Il risultato è una pelle più compatta, tonica e luminosa, senza alterarne l'aspetto naturale.

Quando invece le rughe d'espressione iniziano a diventare più marcate, entrano in gioco trattamenti specifici come la tossina botulinica. Spesso associata a pregiudizi e falsi miti, questa metodologia continua a essere una delle più richieste proprio per la sua capacità di intervenire sulle cosiddette "zampe di gallina" mantenendo intatta l'espressività del volto.

La procedura è rapida, dura circa quindici minuti e non richiede tempi di recupero significativi. Riducendo le contrazioni muscolari responsabili della formazione delle rughe, il trattamento non si limita a correggere i segni già presenti, ma contribuisce anche a rallentarne la comparsa futura. Lo sguardo appare più riposato e disteso, senza perdere naturalezza.

Ma se le rughe sono spesso associate all'età, occhiaie e borse possono colpire chiunque, anche persone molto giovani. Stress, stanchezza, predisposizione genetica, cattive abitudini alimentari e ristagno di liquidi sono solo alcune delle cause che possono compromettere la freschezza dello sguardo.

In questi casi una delle tecniche più interessanti è il microneedling, un trattamento non invasivo che sfrutta micro-perforazioni controllate della pelle per stimolare la produzione di nuovo collagene. La risposta rigenerativa dell'organismo favorisce il miglioramento della texture cutanea, la riduzione delle linee sottili e una maggiore luminosità della zona trattata.

Tuttavia, limitarsi agli occhi sarebbe un errore. Lo sguardo è infatti il risultato dell'equilibrio tra diverse aree del volto: fronte, sopracciglia e palpebre lavorano insieme nel definire l'espressione di una persona.

Con il passare degli anni, l'abbassamento delle sopracciglia e il rilassamento delle palpebre possono trasmettere un'immagine stanca, triste o severa anche quando non corrisponde allo stato d'animo reale. In questi casi la medicina estetica offre diverse possibilità di intervento.

Tra le soluzioni più apprezzate c’è l’acido ialuronico, che aiuta a ridare sostegno e armonia alla parte superiore del viso. Grazie alla sua naturale capacità di trattenere acqua, permette di restituire idratazione e volume ai tessuti mantenendo un effetto estremamente naturale.

Quando invece il cedimento delle palpebre è particolarmente evidente, si può valutare la blefaroplastica. Questo intervento chirurgico consente di correggere l'eccesso di pelle e di riposizionare i tessuti, migliorando non soltanto l'estetica ma, in alcuni casi, anche la funzionalità visiva. Non è raro, infatti, che una palpebra particolarmente rilassata finisca per limitare il campo visivo e influire sulla qualità della vita quotidiana.

Secondo il dottor Tartaglini, i risultati migliori si ottengono spesso attraverso un approccio combinato. Un percorso personalizzato può iniziare con l'acido ialuronico per migliorare l'idratazione profonda della zona perioculare, proseguire con la tossina botulinica per le rughe dinamiche e completarsi con trattamenti laser finalizzati a stimolare il collagene nel lungo periodo.

Naturalmente, nessun trattamento può sostituire uno stile di vita corretto. L'aspetto del contorno occhi dipende anche dalle abitudini quotidiane. Un'alimentazione ricca di frutta e verdura, l'assunzione di antiossidanti, una buona idratazione, il riposo adeguato e una protezione costante dai raggi UV rappresentano alleati fondamentali per mantenere la pelle giovane più a lungo.

Anche la skincare gioca un ruolo importante. I sieri a base di acido ialuronico, vitamine e sostanze tensori possono offrire un valido supporto grazie alla loro capacità di penetrare più facilmente negli strati superficiali della pelle rispetto alle tradizionali creme.

Prendersi cura dello sguardo significa, in fondo, prendersi cura del modo in cui ci presentiamo al mondo. Non si tratta di cancellare il tempo o inseguire un ideale irraggiungibile di perfezione, ma di valorizzare ciò che siamo oggi, restituendo ai nostri occhi quella luminosità che spesso la vita quotidiana tende a mettere in ombra.

Per maggiori informazioni: https://www.betarmedical.it/

C'è un aspetto che distingue il Contrapunctum Jazz Festival da molte altre manifestazioni dedicate alla musica: la capacità di trasformare il jazz in un'esperienza culturale completa, dove concerti, formazione e crescita professionale convivono in un unico progetto. Dal 25 al 28 giugno 2026, il Teatro Civico di Sassari, nel cuore del centro storico cittadino, ospiterà quattro serate che raccontano una precisa idea di musica: autentica, consapevole e profondamente legata alla tradizione.

Più che una semplice rassegna concertistica, il Contrapunctum Jazz Festival si configura come un laboratorio permanente dedicato alla diffusione della cultura jazzistica. Un percorso costruito attorno a tre elementi fondamentali: la formazione, il sostegno ai giovani talenti e una proposta artistica di alto livello. Una visione che restituisce al jazz la sua natura originaria di linguaggio vivo, capace di trasmettersi attraverso lo studio, l'ascolto e il confronto diretto tra generazioni diverse di musicisti.

A confermare questa filosofia è il Contrapunctum Jazz Contest 2026, concorso dedicato alle nuove promesse del jazz italiano conclusosi nei giorni scorsi. A conquistare la giuria internazionale composta da Harry Allen, Rossano Sportiello e Joan Chamorro sono stati la cantante, compositrice e arrangiatrice Sara Rotunno nella sezione Giovani Compositori e il Marco Morandini Trio nella categoria Ensemble Jazz.

La particolarità del progetto risiede proprio qui: il contest non rappresenta un punto d'arrivo, ma l'inizio di un percorso. I vincitori entrano infatti a far parte del cartellone ufficiale del festival, condividendo il palco con artisti di riconosciuto prestigio internazionale.

Sarà dunque il Marco Morandini Trio ad aprire la manifestazione giovedì 25 giugno alle ore 20.30. Accanto al giovane pianista saliranno sul palco Giulio Pisu al contrabbasso e Vittorio Sicbaldi alla batteria. Il loro repertorio alterna standard jazz e composizioni originali, muovendosi con naturalezza tra rispetto della forma e desiderio di sperimentazione.

Venerdì 26 giugno il Teatro Civico accoglierà uno degli appuntamenti più attesi dell'intera manifestazione: Joan Chamorro & Sant'Andreu Jazz Band. Nata a Barcellona nel 2006 come progetto didattico, negli anni è diventata un fenomeno mondiale, capace di formare e lanciare musicisti internazionali del calibro di Eva Fernández, sassofonista catalana, della trombettista e cantante Alba Armengou, di Andrea Motis e Magali Datzira. Un'esperienza che dimostra come l'educazione musicale possa trasformarsi in una straordinaria fucina di talenti.

Sabato 27 giugno sarà la volta del Luca Filastro 5et. Considerato tra i più autorevoli interpreti europei dello stride piano, Filastro sarà affiancato da Francesco Lento alla tromba, Simone Faedda alla chitarra, Marco Occhioni al contrabbasso e Bruno Brozzu alla batteria. Il concerto proporrà un affascinante viaggio nella tradizione jazzistica newyorkese degli anni Trenta, Quaranta e Cinquanta, tra riletture personali e composizioni originali che mantengono vivo lo spirito delle grandi stagioni dello swing.

La chiusura del festival è affidata, domenica 28 giugno, al Giampaolo Casati 4et. Il trombettista piemontese, protagonista di una lunga carriera internazionale e collaboratore di figure storiche del jazz come Lee Konitz, Joe Lovano, Steve Lacy e Carla Bley, sarà accompagnato da Simone Faedda alla chitarra, Fabrizio Leoni al contrabbasso e Bruno Brozzu alla batteria. Un finale che promette eleganza, esperienza e una profonda conoscenza del linguaggio jazzistico.

Dietro la costruzione del festival emerge con chiarezza la visione del direttore artistico Bruno Brozzu, che rivendica una scelta controcorrente rispetto a molte programmazioni contemporanee. Al centro del progetto restano infatti swing e bebop, considerati non come stili da museo, ma come linguaggi ancora attuali e fondamentali per comprendere l'essenza del jazz.

In un panorama sempre più orientato verso formule ibride e contaminazioni spesso dettate dalle logiche del mercato, Contrapunctum sceglie di investire sulla qualità del suono acustico, sul fraseggio, sull'interplay tra i musicisti e sulla forza narrativa dell'improvvisazione. Una posizione culturale prima ancora che estetica, che difende il valore dello studio e della conoscenza come strumenti indispensabili per innovare senza perdere identità.

La dimensione formativa resta infatti uno degli elementi più significativi della manifestazione. Masterclass, incontri e lezioni-concerto affiancheranno il programma serale, coinvolgendo studenti e giovani musicisti in un percorso di approfondimento che va oltre il semplice intrattenimento. Una scelta coerente con la missione dell'Associazione Culturale Contrapunctum ETS, impegnata nella diffusione del linguaggio jazzistico attraverso progetti educativi e attività di alta formazione.

Non è un caso che Contrapunctum sia stata l'unica realtà della Sardegna selezionata nell'ambito del bando del Ministero della Cultura dedicato alla promozione e alla diffusione della musica jazz. Un riconoscimento che conferma la qualità di un percorso nato pochi anni fa e già capace di ritagliarsi uno spazio significativo nel panorama nazionale.

Più che una serie di concerti, il Contrapunctum Jazz Festival è un modo diverso di intendere la cultura: un luogo in cui la formazione incontra la performance, dove i giovani talenti trovano spazio accanto ai grandi nomi e dove la tradizione non rappresenta un limite, ma una risorsa per immaginare il futuro.

Per quattro giorni Sassari diventa così un crocevia di esperienze, linguaggi e generazioni diverse. Un luogo in cui il jazz torna a essere ciò che è sempre stato: una forma di libertà che si apprende, si condivide e si rinnova ogni volta che qualcuno inizia a suonare.

I concerti si svolgeranno presso il Teatro Civico con inizio alle ore 20.30. I biglietti sono disponibili in prevendita presso la biglietteria del Teatro Verdi e online sulla piattaforma AnyTicket.

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A Milano non mancano coworking, business center e hotel pensati per i professionisti. Più raro è trovare un luogo che provi a ripensare l'intera esperienza lavorativa, trasformandola in qualcosa che non si esaurisce tra una scrivania e una sala riunioni.

In via Andrea Maffei 1, WORKNESS CLUB nasce da un'idea del Cavaliere Sergio Filograna: creare un ambiente in cui lavoro, benessere, cultura, ospitalità e ristorazione non siano servizi separati, ma parti di un unico sistema.

Il progetto affonda le sue radici in Work&Progress, società specializzata nella gestione delle risorse umane fondata dallo stesso Filograna. L'intuizione è semplice: se le persone trascorrono gran parte della propria giornata lavorando, anche lo spazio in cui lo fanno dovrebbe contribuire al loro equilibrio e a una migliore qualità della vita. 

Entrando nel Club si comprende subito che non si tratta di un classico spazio business. Sale riunioni, uffici temporanei, aree per eventi, spazi dedicati al benessere, un ristorante, un boutique hotel e una galleria d'arte convivono senza soluzione di continuità. Ogni ambiente dialoga con gli altri e può assumere funzioni diverse a seconda delle esigenze: una riunione può proseguire a tavola, un incontro professionale può trasformarsi in un momento di networking, una mostra può diventare occasione di confronto e nuove connessioni.

Quando il business incontra l'arte

Tra gli elementi più sorprendenti del progetto c'è Other Size Gallery, spazio espositivo aperto gratuitamente al pubblico. Le mostre si alternano ogni 2 mesi e portano all'interno del Club artisti affermati e nuove voci della scena contemporanea. Tra i nomi ospitati figurano Caterina Crepax, Antonio Guccione e Stefano Babic.

In questo momento è in corso la mostra di Marianna Sannino, artista che lavora su elementi naturali dipinti su tulle, in un dialogo costante tra materia, trasparenza e stratificazione visiva.

L'arte qui non svolge una funzione decorativa, ma diventa parte integrante dell’esperienza, contribuendo a creare un contesto dinamico in cui professionisti, imprenditori e visitatori possono incontrarsi anche al di fuori delle logiche strettamente lavorative.

Bistruccio, il ristorante nato per i collaboratori

Bistruccio oggi è un raffinato ristorante aperto anche al pubblico, ma la sua origine racconta molto della filosofia di WORKNESS. Non nasce per attrarre clienti esterni, bensì per offrire ai collaboratori un luogo dove mangiare bene durante la giornata lavorativa.

L’idea iniziale era semplice: se il benessere delle persone è centrale, anche il momento del pasto deve esserlo.

Da questa intuizione è nato uno spazio raccolto e riservato che oggi accompagna ogni momento della giornata, dalla colazione all'aperitivo, dai pranzi di lavoro alle cene private.

Durante la visita alla struttura, per presentarci l’offerta di Bistruccio, ci sono stati proposti una polpetta di baccalà su fonduta di formaggio, un tataki di tonno con sesamo nero e radicchio e un sorbetto artigianale alla fragola e pepe rosa, esempio perfetto di quella ricerca sugli equilibri che caratterizza la cucina del ristorante.

Dietro questa proposta c’è la chef Mihaela Dandu, che non proviene dai percorsi tradizionali dell’alta cucina. Entrata nel Club con un ruolo in sala e in caffetteria, ha saputo trasformare una passione in una professione attraverso studio, sperimentazione e autodisciplina. Oggi è il volto gastronomico di Bistruccio: perfezionista instancabile lavora soprattutto su impasti e lievitati, tanto che gran parte del pane servito a tavola nasce direttamente dalle sue mani. La sua cucina racconta un percorso di crescita costruito giorno dopo giorno, senza scorciatoie, guidato da ricerca e determinazione.

Benessere e ospitalità nello stesso luogo

A completare il sistema del Club ci sono MUSE e 10Keys Milano.

MUSE è l’area dedicata all’attività fisica e alla cura della persona, dove percorsi personalizzati di pilates, indoor cycling, allenamento funzionale, massoterapia, osteopatia e consulenza nutrizionale vengono costruiti sulle esigenze individuali.

10Keys Milano è invece il boutique hotel del progetto: dieci camere pensate per professionisti in trasferta, dotate di bagno turco e sauna privata. 

Chi lavora a Milano sa bene quanto le giornate possano essere scandite da continui spostamenti: una riunione in un quartiere, il pranzo in un altro, la palestra altrove ancora. WORKNESS CLUB prova a eliminare questa frammentazione.

Qui, dopo una riunione ci si può fermare a pranzo, partecipare a un evento culturale, allenarsi o dedicarsi al benessere personale senza lasciare il complesso.

Questi spazi, come Bistruccio e Other Size Gallery, sono aperti anche a una clientela esterna, che può accedervi per allenarsi o soggiornare in un ambiente studiato nei minimi dettagli.

Il Giro dei Venti: quando il networking sale in barca

La filosofia WORKNESS non si esaurisce negli spazi di via Maffei. Tra i progetti più rappresentativi c'è Il Giro dei Venti, un format ideato dal Cavaliere Sergio Filograna che unisce sport, viaggio e dimensione professionale in un’unica esperienza itinerante.

Si tratta di un percorso di otto giorni tra Salento e Grecia che combina ciclismo, vela, esplorazione del territorio e attività outdoor, alternando tappe e momenti di lavoro sul campo.

L’elemento centrale non è la performance sportiva, ma la costruzione di dinamiche di gruppo che emergono naturalmente durante il percorso, diventando terreno fertile per il team building e per nuovi contatti tra professionisti.

Imprenditori, manager e partecipanti di settori diversi condividono giornate fuori dai contesti abituali, dando vita a connessioni che spesso proseguono anche dopo il rientro. È la stessa logica che anima WORKNESS CLUB: creare occasioni di incontro autentiche, nelle quali il business nasce prima di tutto dalla conoscenza reciproca. 

In fondo, che si tratti di una sala riunioni a Milano o di una veleggiata tra il Salento e Corfù, il principio rimane lo stesso: le relazioni migliori nascono quando le persone condividono esperienze significative. 

Da Milano al Salento

La filosofia WORKNESS è destinata ad ampliarsi con Borgo Filograna, in apertura a Spongano, nel cuore del Salento. All'interno di un palazzo nobiliare del XVII secolo restaurato sorgeranno camere, spazi dedicati alla ristorazione, una spa ricavata nelle antiche fondamenta, aree di lavoro, botteghe artigiane e una galleria d'arte.

Se Milano rappresenta il volto urbano del progetto, Spongano ne interpreterà la dimensione più lenta e immersiva, mantenendo la stessa attenzione per il rapporto tra lavoro, ospitalità e qualità della vita.

Più che un club, WORKNESS appare come un modello che prova a superare la tradizionale separazione tra vita professionale e tempo personale. Un luogo dove efficienza, relazioni, cultura e benessere convivono nello stesso spazio, dimostrando che lavorare meglio può significare, semplicemente, vivere meglio.

Si è conclusa il 9 giugno l’edizione 2026 del Milano Film Fest, la manifestazione diretta da Claudio Santamaria che ha riportato il cinema internazionale al centro della scena culturale milanese. Durante la cerimonia di premiazione all’Anteo Palazzo del Cinema sono stati annunciati i vincitori delle sezioni competitive dedicate a lungometraggi e cortometraggi. Dal palmarès è emersa un'idea di cinema giovane, libero e profondamente connesso al presente, capace di raccontare identità, trasformazioni e desideri attraverso linguaggi diversi ma ugualmente incisivi.

A conquistare il premio per il Miglior Lungometraggio è stato Where the Wind Comes From di Amel Guellaty (Tunisia, Francia, 2025), un road movie che segue il viaggio di due giovani tunisini verso l'Europa. La giuria presieduta da Valeria Bruni Tedeschi ha premiato l'opera per la sua capacità di coniugare semplicità narrativa e raffinatezza formale, offrendo al tempo stesso uno sguardo autentico sulla società tunisina contemporanea. Nelle motivazioni, il film è stato definito un'opera "libera e poetica", sostenuto da una visione cinematografica forte e da un respiro capace di andare oltre i confini della storia raccontata.

Il successo dell'opera è stato avvalorato anche dalla menzione speciale “Futuro” assegnata ai protagonisti Eya Bellagha e Slim Baccar, premiati per la naturalezza e l'intensità con cui hanno dato vita a un legame capace di sostenere l'intero film. Where the Wind Comes From ha inoltre conquistato il premio della Giuria Studentesca, che ne ha sottolineato la capacità di trasformare un coming of age in una storia universale, sospesa tra sogno, speranza e ricerca del proprio posto nel mondo.

Sul fronte dei cortometraggi, il riconoscimento principale è andato a A Sisyphean Task di Gus Flind-Henry e George Malcher (Regno Unito, 2025). Attraverso una costruzione audiovisiva dinamica e un elaborato lavoro di montaggio, il film affronta il tema del sistema educativo riflettendo sul peso delle responsabilità individuali e collettive all'interno della scuola. La giuria ne ha premiato la capacità di coniugare riflessione critica ed efficacia emotiva, senza cadere in semplificazioni.

Tra i premi interpretativi, il riconoscimento per la Miglior Interpretazione Maschile è stato assegnato a Matthew Shear per Fantasy Life, premiato per l'equilibrio e la credibilità della performance. Il premio per la Miglior Interpretazione Femminile è andato invece a Sarah Pachoud, Mélanie Laurent e Angelina Woreth per The Wonderers di Josephine Japy, valorizzando il lavoro corale delle tre attrici e la loro capacità di restituire con sensibilità le dinamiche emotive e familiari al centro del film. 

Completano il palmarès le menzioni speciali ai cortometraggi Concrete Kids di Saulius Baradinskas, premiato per la sua originalità estetica e la forte armonia visiva, e Faux Bijoux di Jessy Moussallem, riconosciuto per la delicatezza con cui affronta temi complessi e di grande attualità.

Si chiude così un'edizione che ha segnato il ritorno del Milano Film Fest, festival nato dalla collaborazione tra Il Cinemino, Esterni, Fondazione Dude e Perimetro. Un appuntamento che, fin dalla sua prima edizione, ha dimostrato la volontà di aprirsi a nuovi sguardi e nuove geografie del cinema contemporaneo. E quest'anno, più che mai, il vento arrivato da Tunisi e Londra ha trovato a Milano il luogo ideale per farsi ascoltare. 

C'erano persone in piedi, altre ancora fuori dal teatro in attesa di entrare. Quando Dario Argento sale sul palco del Piccolo Teatro Strehler per la masterclass organizzata dal Milano Film Fest, la prima cosa che nota non è il pubblico che lo applaude, ma quello rimasto fuori dalla sala.

“Mi dispiace per chi non è riuscito a entrare”, dice. “Con il mio cuore sono con loro”

Basterebbe questa immagine per raccontare lo status che il regista romano continua ad avere nell'immaginario collettivo. A oltre cinquant'anni dall'esordio, Dario Argento non è soltanto un autore: è un pezzo di storia del cinema che continua a riempire teatri e festival.
Accanto a lui, sul palco, Marina Pierri, giornalista e autrice, Claudio Santamaria, attore e direttore artistico del Milano Film Fest, e Marco Peano, scrittore ed editor di narrativa italiana per Einaudi. Sullo schermo scorrono invece frammenti di Profondo Rosso, Il Cartaio, L'uccello dalle piume di cristallo e altri titoli che hanno definito il suo percorso artistico. Ne nasce una conversazione che alterna ricordi, confessioni, risate e aneddoti talmente assurdi da sembrare usciti da uno dei suoi film.

Profondo Rosso, il film che non smette mai di vivere

Inevitabilmente il cuore dell'incontro è Profondo Rosso.
Argento racconta di non aver mai immaginato il successo che il film avrebbe avuto nel tempo. Quando lo scriveva, semplicemente si stava divertendo. Oggi continua a vederlo proiettato in tutto il mondo, da Cannes a Los Angeles, insieme a pochi altri titoli della sua filmografia che sembrano non conoscere il passare degli anni.

Profondo Rosso, 1975

Il racconto più divertente riguarda però il titolo.
Prima di diventare Profondo Rosso, il film si chiamava infatti La tigre dai denti a sciabola. Un nome volutamente assurdo, inventato da Argento per prendere in giro produttori e finanziatori. Quando arrivò il momento dell'uscita, il regista annunciò che quello era soltanto uno scherzo e che il titolo vero sarebbe stato Profondo Rosso.

“Ma che vuol dire Profondo Rosso?”, gli chiesero.
“Chi vedrà il film lo capirà” rispose il regista e così fu.

Marco Peano ha anche ricordato il particolare rapporto tra il film e Torino, sottolineando come la geografia dell'opera mescoli luoghi reali provenienti da diverse città per costruire una sorta di "topografia dell'inconscio". Un legame talmente forte che, secondo l'aneddoto raccontato durante l'incontro, alcuni tassisti torinesi continuano ancora oggi a riferirsi a Piazza CLN come alla "piazza Profondo Rosso".

Il Cartaio, quando Argento immaginava il crimine digitale

Tra le clip proiettate c'è anche Il Cartaio, titolo meno celebrato rispetto ai grandi classici del regista ma protagonista di uno dei passaggi più interessanti della serata.
Argento ha raccontato che l'idea nacque dopo aver osservato le sale giochi durante un viaggio: da lì l'intuizione di un assassino capace di trasformare la morte in una partita e le vittime in pedine di una sfida contro la polizia.
Rivisto oggi, Il Cartaio colpisce per la sua capacità di intercettare temi che sarebbero diventati centrali negli anni successivi: internet, il gioco online e la spettacolarizzazione della violenza attraverso uno schermo. Non a caso Argento ha confessato di essere ancora molto legato a questo film, ricordando le riprese con Claudio Santamaria e alcune sequenze che, a distanza di oltre vent'anni, continuano a tornargli alla mente.

Elda Luxardo e la nascita di uno sguardo

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Se si vuole capire da dove nasce il cinema di Dario Argento, forse bisogna partire dallo studio fotografico della madre, Elda Luxardo. Da ragazzo trascorreva lì interi pomeriggi: mentre fingeva di fare i compiti osservava modelle e attrici davanti all'obiettivo, studiando soprattutto la luce, il modo in cui trasformava i volti e costruiva un'immagine.
Un'esperienza che, come ha raccontato durante l'incontro, ha segnato profondamente il suo immaginario. Non solo per l'attenzione quasi maniacale alla composizione e alla fotografia, ma anche per la centralità delle figure femminili che attraversano gran parte della sua filmografia.

Quando il padre diventa il migliore amico

Tra i momenti più emozionanti della masterclass c'è il ricordo del padre Salvatore Argento.

Locandina L'uccello dalle piume di cristallo

Dopo il successo de L'uccello dalle piume di cristallo, racconta il regista, il loro rapporto cambiò profondamente. Non era più soltanto suo padre.
Era diventato il suo migliore amico.
Andavano al cinema insieme, viaggiavano insieme, trascorrevano le serate discutendo di film. Un rapporto che Argento racconta con evidente affetto e che rappresenta una delle pagine più intime emerse durante l'incontro.

L'invasione delle mosche di Phenomena

 Phenomena, 1985

Se esistesse una classifica degli aneddoti più incredibili della storia del cinema italiano, quello raccontato da Argento su Phenomena meriterebbe un posto d'onore.
Per realizzare le celebri sequenze con gli insetti, la produzione allestì un vero allevamento di mosche all'interno di un teatro di posa romano.
Per mesi furono fatte crescere migliaia di larve sotto la supervisione di un entomologo. Il risultato fu un capannone letteralmente invaso dagli insetti.
“Bisognava entrare con la maschera”, racconta il regista.
Una volta terminato il film, la troupe aprì le finestre per liberare le mosche. Poco dopo il bar vicino agli studi venne letteralmente colonizzato dagli insetti, con il proprietario convinto che fosse impazzito il clima o forse il mondo intero.

Hitchcock, la Nouvelle Vague e il cinema di oggi

Quando gli chiedono quali siano gli autori che continua ad amare, Argento non ha esitazioni.
Alfred Hitchcock resta il suo maestro assoluto.
Ricorda le proiezioni alla Cinémathèque di Parigi e la lezione fondamentale ricevuta osservando il modo in cui il regista britannico muoveva la macchina da presa.
Accanto a lui cita gli autori della Nouvelle Vague francese, da François Truffaut a Jean-Luc Godard, figure che contribuirono a formare il suo immaginario prima ancora che diventasse regista.

Il mistero resta il suo habitat naturale

Inferno 1980

L'ultima domanda della serata riguarda una delle sequenze più celebri di Inferno: la stanza sommersa.
Da dove nasce un'idea del genere?
Argento ci pensa qualche secondo e poi risponde con sorprendente sincerità: non lo sa. Ricorda però perfettamente le difficoltà del casting: serviva un'attrice capace di muoversi sott'acqua con naturalezza e di sostenere lunghe immersioni, come se appartenesse davvero a quel mondo.
Una risposta che, forse involontariamente, riassume perfettamente lo spirito dell'intera serata. Più che spiegare i misteri dei suoi film, Dario Argento ha mostrato come il suo cinema continui a vivere in una zona sospesa tra intuizione, immaginazione e memoria. Ed è probabilmente proprio lì che risiede ancora oggi il suo fascino.